Cartelera, 23 de noviembre

Cartel de Fin. Imagen propiedad de Sony Pictures Releasing de España

Fin. Título original: Fin (Dirigida por Jorge Torregrosa. Intriga con Maribel Verdú, Daniel Grao, Clara Lago, Blanca Romero, Antonio Garrido, Carmen Ruíz, Miquel Fernández y Andrés Velencoso): Tras años sin verse, un grupo de amigos se reúne en una casa en la montaña durante el fin de semana. De repente, un extraño incidente altera sus planes, quedando completamente aislados y sin posibilidad de comunicación con el exterior. Deciden salir y buscar ayuda, pero en el camino el grupo se irá desintegrando, mientras lo que parece un nuevo orden natural se impone ante sus atónitos ojos.

Tenemos algo diferente entre manos, tenemos una película de género palomitero hecha en España, tenemos acción, suspense y el fin del mundo. Error. El debut de Jorge Torregrosa en la dirección de largometrajes quedará marcado por ese pretexto del quiero y no puedo. Si te vendes porque te vendes, si no lo haces porque debiste hacerlo. El trabajo de Torregrosa se muestra como una ficción trepidante que se entremezcla con una historia sin héroes, compleja y sin explicación plausible. En Fin las acciones tienen una justificación sin justificar. La historia se construye a caballo entre dos realidades, la del cine palomitero y la de la epopeya sesuda que descubre las miserias del ser humano sin decir esta boca es mía. El castañazo se deja sentir y se come la historia y los personajes. El argumento, sin ser original, es atractivo. Encauzado hacia el producto de entretenimiento puro y duro habría funcionado. Las escenas de acción están bien rodadas y el inicio proponía mucho más de lo que se pretendía desarrollar, lástima. El arquetipo dibujado en el guion se hace previsible y aburrido, y aunque persecuciones y golpes de acción pugnen por mantener la atención, la tendencia a buscar los tres pies al gato arrastran al espectador hacia el tedio y el sinsabor.

La crítica especializada es más benévola en su juicio. Así, Javier Ocaña en El País asegura que es “técnicamente impecable”, aunque reconoce que “con la llegada del elemento sobrenatural […] comienza la irregularidad”. Salvador Llopart de La Vanguardia le otorga un 3 sobre 4 y destaca que la película “va del realismo a la incógnita metafórica”. Sergi Sánchez de La Razón es el más duro: “Condensa demasiado la presentación de personajes, y es imposible llegar a sentir ni un átomo de simpatía por ellos. […] Juega a no dar explicaciones, pero su opacidad quiere disimular una cierta sensación de impotencia”.

Fin.

Cartel de El hombre de los puños de hierro. Imagen propiedad de Universal Pictures International Spain

El hombre de los puños de hierro. Título original: The Man with the Iron Fists (Dirigida por RZA. Acción con RZA, Russell Crowe, Lucy Liu y Dave Bautista): La acción transcurre en la China feudal y el protagonista es un forastero que se dedica a fabricar armas para los vecinos de un pequeño pueblo, pero llega un día en que debe convertirse en su protector.

Qué asombrosa es la mente humana, basta con deslizar un mensaje para engañarnos por completo. Al inicio del tráiler se lee con claridad “Quentin Tarantino presenta”, los demás mensajes pasan ante nosotros sin que nos demos cuenta. ¿Quién dirige? ¿Quién escribe el guion? Tarantino, debe ser Tarantino. Aquí reside la importancia de cribar la información que se nos muestra, trabajo periodístico simple. Tarantino, más sangre, más peleas de Kun Fu: Kill Bill a las tres estaciones, como el arroz chino. Centremos nuestra mirada en el cartel, en la parte inferior: historia de RZA, dirigida por RZA, guion de RZA (guion: sin tilde, la RAE se la robó en 2010).

¿Quién es RZA?

Es un Mc (rapero en lenguaje coloquial), un productor de gran influencia en el mundo del hip-hop, un amante de las películas de artes marciales y tiene muchos conocidos en el mundo de la farándula. Uno de ellos es Tarantino con quien trabajó en Kil Bill Vol. 1 y Vol. 2 desarrollando la parte musical. Ser influyente en el hip-hop no te convierte en director, actor y guionista; tampoco ser amigo de Tarantino, El hombre con los puños de hierro es la prueba.

Acción trepidante y atropellada, libreto muy flojo, actuaciones sin ángel y RZA en medio de todo. Asistimos no a un filme sino a un videoclip eterno, prima lo llamativo. Hay golpes de humor y cierto entretenimiento que en ningún caso compensan el precio de la entrada del cine actual. “Tan erráticamente disfrutable como consistentemente ridícula”, escribe Manohla Dargis en The New York Times. Ligeramente más ácida es la crítica de Kyle Smith en el vecino New York Post: “De sus 96 minutos es aproximadamente 93 minutos y medio demasiado larga”.

La película puede entretener o desquiciar, el gusto personal influirá mucho en el resultado. En España la crítica coincide, es absurdamente divertida. Una producción construida para Jackie Chang, disfrada de Blade, encarnada por RZA. Apta para ser degustada por adolescentes y con una incógnita: ¿encarna Russell Crowe a Jack el destripador?

Cartel de Golpe de efecto. Imagen propiedad de Warner Bros. Pictures International España

Golpe de efecto. Títutlo original: Trouble with the Curve (Dirigida por Robert Lorenz. Drama con Clint Eastwood, Amy Adams y Justin Timberlake): Gus Lobel ha sido uno de los mejores cazatalentos de béisbol durante décadas, pero su edad empieza a pasarle factura. A pesar de esto, Gus se niega a quedarse en el banquillo en lo que podría ser el último trabajo de su carrera. Pero podría no tener elección. Los directivos empiezan a cuestionar sus opiniones. La única persona que podría ayudarle es su hija, Mickey, empleada de un importante bufete de abogados de Atlanta, cuyas ganas y ambición le han hecho ascender hasta convertirse en socia. Mickey acompañará a su padre en su último viaje, poniendo en peligro su carrera para salvar la de él. En el viaje encuentran a un cazatalentos que aspira a ser comentarista deportivo… y a conquistar a Mickey.

Debut en la dirección de Robert Lorenz, ayudante de dirección de Eastwood, con quien trabajó en Los puentes de Madison, Mystic River y Million Dollar Baby.

Eastwood metido en una comedia romántica, este es el mayor atractivo. Por supuesto él no es el protagonista de la historia de amor, para él se reserva la trama del drama familiar; y todavía nos queda la trama deportiva. Tres clásicos en uno presenta Robert Lorenz en su estreno. La química entre padre cascarrabias e hija abnegada mantiene viva la cinta, el resto no desmerece ni fascina. La historia romántica es descafeinada, navega con el rumbo fijado por cientos de películas y cumple todos los clichés, no hay lugar para la innovación es por esto que algunos críticos la tilda de telefilme. Además, la presencia del béisbol aleja al público no creyente. En Europa el béisbol nos queda lejos. Se juega poco e interesa poco. De vez en cuando, en series y películas, nos cuelan algo del deporte rey de los EEUU. Seguimos sin picar. Creo que ni a ellos les gusta realmente, pero es una tradición y los norteamericanos saben mucho de vender tradiciones.

La película entretiene y no deja huella, se va como viene, en un Golpe de efecto (pido disculpas por el chascarrillo fácil, no he podido resistir la tentación). Eastwood, delante de las cámaras, ha quedado anclado en el personaje del gruñón que está de vuelta de todo, que ha sido importante, que tiene mucho que aportar aún y está al margen de la sociedad pues la vida le ha pasado por encima. Si es o no una extensión de su propia historia, lo desconozco. El papel lo borda película tras película, aunque en ocasiones como esta le toque hacerse un lado para ceder protagonismo a una floja historia de amor.

Cartel de Persiguiendo Mavericks. Imagen propiedad de Hispano Foxfilm

Persiguiendo Mavericks. Título original: Chasing Mavericks (Dirigida por Curtis Hanson. Drama basado en hechos reales con Jonny Weston, Gerard Butler, Elisabeth Shue y Abigail Spencer): Narra la historia del fenómeno del surf Jay Moriarity. Cuando, a la edad de 15 años, Jay descubre que las míticas olas conocidas como ‘Mavericks’, unas de las más descomunales del planeta, se aproximan a su hogar de Santa Cruz, donde van a romper, busca la ayuda del legendario Frosty Hesson para que lo entrene y así poder sobrevivir a dicho fenómeno. Cuando Jay y Frosty se embarcan en el empeño de lograr lo imposible va surgiendo entre ellos una singular amistad que transforma sus vidas; y su intento de dominar a las Mavericks se convierte en algo que rebasa la práctica del surf.

Guion de tópicos. El tráiler me produce retortijones. Rescato un par de frases/diálogos:

“¿Alguna vez has sentido que estás aquí por algo, por algo más grande que tú?”

“Le llaman el cementerio, que la corriente no te empuje hacia allí, te hará picadillo”.

“¿Y si te equivocas?” / “¿Y si tengo razón?”

“Es mucho más que surfear, es encontrar ese algo en la vida que te hace libre”

“¿Por qué no le has detenido” / “No fue posible, nunca lo fue”.

Tópico tras tópico. Frases sacadas de otras películas, algunas tan usadas que hasta resulta sencillo descontextualizarlas.

“¿Alguna vez has sentido que estás aquí por algo, por algo más grande que tú?” Por eso he de comprarme ese coche, subir a ese avión, entrar en esa carrera, alistarme en el ejército, pilotar esta aeronave alienígena, hacer este examen, jugar este partido…

“¿Y si te equivocas?” / “¿Y si tengo razón?” Por eso podemos confiar en el borracho del pueblo, por eso debemos seguir a ese desconocido, por eso debemos viajar al norte, por eso debemos aceptar esta apuesta.

No quiero aburriros, podría seguir eternamente reinventado sentidos para construir mil argumentos sobre frases antiguas. Frases trilladas y vacías, cuando Amor se dice mil veces y en mil situaciones la palabra amor se queda hueca. Hay que saber elegir las palabras, hay que saber ajustarlas a la realidad que se transmite, hay que respetar la inteligencia del receptor de la conversación. El trabajo cinematográfico se completa con el reclamo de “basada en una historia real”, Gerald Butler, Elisabeth Shue y mucho surf.

Visualmente es atractiva, todo lo demás es ridículo en esta historia ñoña. Por suerte para Curtis Hanson, yo no soy crítico profesional. “El surf y los surferos, junto a la belleza natural de la costa californiana, ayudan a compensar los puntos débiles de la película, incluyendo su protagonista lamentablemente unidimensional”, afirma Manohla Dargis en The New York Times. “Chasing Mavericks está hecha con más cariño e inteligencia de lo que otras películas con este planteamiento habrían tenido”, sentencia Roger Ebert en Chicago Sun-Times.

Y es que parece que tras esa basurilla inicial que echa para atrás se esconde una aventura intrascendente y amena que permite “disfrutar” de una historieta vestida con mil pieles pero que cumple con su papel de entretener al espectador. La historia real no es tan real como la pintan, los elementos se introducen como pequeñas píldoras y las dos horas en la sala se dan por bien invertidas cuando la única motivación del espectador coincide con la del realizador: pasar el rato sin aburrirse viendo una película. Las frases sensibleras con calzador no se las perdono, que conste en acta.

Cartel de High School. Imagen propiedad de Alimpro Films

High School. Título original: High School (Dirigida por John Stalberg. Comedia con Adrien Brody, Sean Marquette, Matt Bush, Colin Hanks, Michael Chiklis y Adhir Kalyan): En una escuela secundaria, en la que el consumo de estupefacientes ha aumentado mucho entre los alumnos, están a punto de realizar un test antidroga. El director del centro está decidido a expulsar a quien dé positivo en el test. El reto será vencer a la prueba por el camino más difícil.

Adolescentes descontrolados fuman hierba para pasar el rato. La historia se extiende a un instituto americano, se adereza con un director malencarado, se distorsiona con un gurú del tráfico de drogas y gira sobre sí misma para producir algo que no apetece ver solo. Ni siquiera me atrevo a calificarla de comedia de desmadre porque da la sensación de estar muy poco trabajada. Manuel Piñón, en Cinemanía, la define como “la peor comedia adolescente norteamericana de la historia”.

Adrien Brody es el gancho de una proyección infumable.

Cartel de César debe morir. Imagen propiedad de Golem

César debe morir. Título original: Cesare deve morire (Dirigida por los hermanos Paolo y Vittorio Taviani. Drama con Fabio Cavalli, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri y Antonio Frasca): Docuficción sobre los talleres teatrales que organiza en la cárcel romana de Rebibbia el director Fabio Cavalli, que ensaya con los presos obras de Shakespeare. Los ensayos y la representación final del “Julio César” se alternan con la vida cotidiana de los reclusos. “Plantearemos el contraste entre la libertad absoluta del actor y las ataduras de quien vive en una celda”, declaró Paolo Taviani poco antes de iniciar el rodaje.

  • 5 Premios David di Donatello, incluyendo mejor película y director en 2011.
  • Oso de oro a la mejor película en el Festival de Berlín 2012.
  • 4 nominaciones, incluyendo mejor película y director, a los premios del Cine Europeo 2012 que se celebrarán el 1 de diciembre en Malta.

Película indie con aire televisivo. Lejos de la academia en el sentido tradicional, ha visto premiados con honores su esfuerzo y saber hacer. Forma parte del otro cine. Desaparecerá rapidamente de la cartelera pues los exhibidores no encontrarán beneficios en ella. Y su historia no dejará rastro salvo para aquellos que sepan dónde buscar.

Rescato un par de visiones de la crítica patria: “Un montaje tan original como posibilista del ‘Julio Cesar’ de Shakespeare. […] representando con veracidad y fuerza expresiva esa tragedia sobre los dilemas morales”, según Carlos Boyero en El País. “César debe morir […] es, antes que cualquier otra cosa, un brillante trabajo de resurrección. Resucitan ellos, los propios Taviani […] y, lo más importante, resucita Shakespeare. ¿Acaso había muerto?”, firma Luis Martínez en El Mundo.

Cartel de Hasta la vista. Imagen propiedad de Karma Films

Hasta la vista. Título original: Hasta la vista (Dirigida por Geoffrey Enthoven. Comedia con Tom Audenaert, Gilles De Schryver y  Robrecht Vanden Thoren): Tres veinteañeros que aman el vino y las mujeres, pero que nunca han disfrutado de la compañía íntima de una mujer, con el pretexto de hacer un itinerario enológico, vienen a España con la esperanza de perder su virginidad. Nada los detendrá, ni siquiera sus respectivas discapacidades: uno de ellos es ciego, otro está postrado en una silla de ruedas y el tercero es completamente paralítico.

  • Espiga de oro a la mejor película en el Festival de Valladolid 2011.
  • Nominada al Premio del público (mejor película europea) para los Premios del Cine Europeo 2012 que se celebrarán el 1 de diciembre en Malta.

Película belga que despierta simpatías sin necesidad de excesivas escenas. Resta descubrir si Geoffrey Enthoven es capaz de construir un todo solvente. La pequeña aventura, que describe en tono de tragicomedia, esconde más dolor que humor; tiene un arranque lento y un final precipitado. Lluís Bonet Mojica, de La Vanguardia, le otorga un 4 sobre 4. Sergi Sánchez, de La Razón, desvela que “la película es tan poco sutil en sus manipulaciones dramáticas que rechina a quien pida un poco de complejidad al tratamiento de un tema tan espinoso”. Película para ver y opinar.

Cartel Sesion 1.16. Imagne propiedad de Cats Films

Sesión 1.16. Título original: Sesión 1.16 (Dirigida por José Javier Hernán Cabo. Terror con Iñaki Guevara, Rebeca Sala, Antonia Payeras, Nacho Nevado, Jerónimo Salas, Héctor González): Un cura, atormentado por su pasado, advierte a unos estudiantes de las consecuencias que puede llegar a tener la práctica de la Ouija. Para ello les muestra una serie de cintas. En ellas se pueden ver a unos estudiantes de periodismo dispuestos a grabar una sesión. ¿Es un mito, un simple fraude o realmente podemos llegar a contactar con entes de otra dimensión? Con esta pregunta comienza la primera de las cinco cintas.

¿Paranormal Activity a la española? Recursos no tienen para tirar de grandes efectos con los que asustarnos. Si se hiciese en EE.UU. sacaría buena tajada de la taquilla nacional. Apuestas de este tipo siempre son interesantes.

Cartel Y recibí las peores noticias de tus labios. Imagen propiedad de Surtsey Films

Y recibí las peores noticias de tus labios. Título original Eu receberia as piores notícias dos seus lindos labios (Dirigida por Beto Brant y Renato Ciasca. Romance con Camila Pitanga, Gustavo Machado y Zecarlos Machado): Historia de un triángulo amoroso que involucra a Cauby, un fotógrafo que viaja por la selva del Amazonas, a Lavinia, una hermosa e inestable mujer, y a su marido, un predicador que cree que es posible solucionar las contradicciones del mundo. Lavinia, el cuerpo; Cauby, la mirada; Ernani, la palabra. Los tres lados de una pasión ardiente, en medio de una naturaleza amenazada por la devastación.

  • Colón de oro a la mejor película en el Festival de cine iberoamericano de Huelva 2012].

Carmen L. Lobo escribe de ella en La Razón: “película brasileña con vocación de ambicioso culebrón televisivo […] Los desdibujados protagonistas las pasan literalmente canutas hasta eclosionar en un final que alberga, al menos, cierta esperanza”.

Roberto Prada

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Acerca de Roberto Prada

Periodista en ciernes. Soñador reflexivo, pensador a tiempo completo. Me gusta el cine. Escribo acerca del bien y del mal lo mejor que sé. Divulgo, comparto y opino. No soy buen tipo, no intento serlo. Gracias por compartir experiencias conmigo.
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2 respuestas a Cartelera, 23 de noviembre

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    • Sorry, I’m afraid I do not understand. What input do you mean? If you want to recommend a movie, I choose “The Angels’ Share”. A greeting.

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